SEle é chamado de mulher que chora, mas isso é um eufemismo. Ela tritura os dentes em um lenço que é como uma ponta de lança branca e azul, enquanto os dedos garrasam no rosto, rasgando a carne para expor seu crânio. Seu queixo é duas granadas, seus olhos estão cheios de horror – silhuetas de aviões pretos são mantidos em seus olhos transfixados. Eles são os bombardeiros alemães que atacaram a cidade basca Guernica em 26 de abril de 1937.
A mulher chorosa de Picasso foi comprada dele pelo surrealista britânico Roland Penrose em novembro de 1937, recém -saído do cavalete. Cinqüenta anos depois, seu filho deu -o em vez de impostos à Galeria Tate. Agora está prestes a estrelar uma exposição moderna de Tate que mostra a coleção Picasso do museu, aprimorada com empréstimos fantásticos do Musée Picasso em Paris.
Mulher que chora é um exemplo de arrepiar os cabelos da sensação de Picasso por drama. O sucesso de bilheteria de Tate Modern, chamado Theatre Picasso, é “encenado” em vez de com curadoria, pelo artista de cinema contemporâneo Wu Tsang e pelo escritor Enrique Fuenteblanca em uma série de espaços de cabaré e teatro que eles esperam dar aos visitantes “uma experiência rítmica”. Picasso, diz Tsang, antecipou “o relacionamento fluido que os artistas têm hoje com desempenho”.
Ele certamente adorou um bom show. A paixão de Picasso pelo drama incluiu um espetáculo que terminou em derramamento de sangue real – touradas. As Corridas alimentaram parte de sua maior arte. Guernica evoluiu de pinturas viscerais e densamente compactadas que ele fez na década de 1930 de matadoras moribundas, cavalos de Bulls e o alter ego do artista, o Manotaur Man-Bull.
No entanto, ele estava igualmente à vontade no balé, criando cenários e figurinos para o desfile de produção em 1917 com Jean Cocteau e Erik Satie, e passando a colaborar com os balés de Diaghilev Russes. Seu primeiro casamento em 1918 foi com um dançarino da empresa, Olga Khokhlova – foi desastroso, e o tratamento do artista das mulheres nos últimos anos foi fortemente examinado.
A exposição mais fofista do teatro Picasso sugere que ele também era fã de ópera: em um clipe de um filme filmado de Man Ray, o pintor atarracado se arrasta como a heroína Carmen da ópera. “É uma jóia para mim vê -lo com a Mantilla e o charuto”, diz Tsang.
Mas foi sua rejeição posteriormente feroz do mundo do balé e da elegância de alta sociedade que produziu o maior Picasso na coleção Tate. Os três dançarinos, pintados em 1925, são violentos, apocalípticos e nunca se acalmaram. É um drama que não entendemos completamente, mas cujo desfecho brutal assistimos como um público atordoado.
É como um cenário, uma sala com vista, exceto além das janelas, que são estranhamente opacas, é apenas um céu azul do Mediterrâneo de pigmento duro, sugerindo um ar imacável. A vida é um teatro, sugere esta pintura, onde nos movemos entre móveis falsos em um conjunto ilusório sem liberdade ou espaço.
As pessoas dos três dançarinos se desencadeiam em frenesi dionisíaco. A mulher no centro joga os braços no ar enquanto levanta a cabeça para o céu: ela está dançando jazz quente, certamente, em 1925, ano em que o Grande Gatsby foi publicado. Mas essa dança é letal. Você pode sentir que fica mais rápido e louco. À esquerda, uma mulher gira ainda mais em êxtase, torcendo para que pareça haver um buraco redondo mostrando o céu morto onde seu coração deveria estar. Seu rosto tem a tomada vazia do nariz e os olhos de um crânio. À direita, um dançarino masculino tem um corpo parcialmente marrom e parcialmente branco, sugerindo o multiculturalismo do jazz, mais abraçado na França da década de 1920 do que os segregacionistas -EUA – Josephine Baker se apresentou pela primeira vez em Paris em outubro daquele ano.
Os três dançarinos são um dos trabalhos revolucionários cruciais de Picasso. Ele o considerou melhor que Guernica e o manteve com ele até 1965, quando o vendeu diretamente para o Tate. Com seu espaço achatado e imagens sobrepostas e difíceis de ler, a peça ajudou a reviver o cubismo, um experimento artístico que parecia ter terminado em 1914, no início da Primeira Guerra Mundial.
O movimento, realizado por Picasso e Georges Braque de 1907, fez perguntas fundamentais: qual é o tecido da realidade e a arte pode vê -lo? Em 1913, quando Picasso colidiu e desenhou garrafa de Vieux Marc, vidro, violão e jornal, ele e Braque usaram coisas reais em sua arte, inventando a apropriação de materiais encontrados como uma técnica artística.
Então veio a guerra. Picasso se afastou dessa demolição estonteante da arte como europeus, sabia disso. Algumas pessoas até culparam a guerra ao caos do cubismo. Em 1918, Picasso participou do movimento “Call to Order”, que esperava restaurar a civilização com uma arte mais tradicionalista. Mulher sentada em uma química de 1923 é um exemplo cativante dessa fase mais silenciosa de seu trabalho: quando Picasso escolheu desenhar ou pintar “corretamente”, ele poderia fazê -lo melhor do que qualquer um. Como ele justificadamente afirmou, ele nasceu com o talento de Raphael e teve que aprender a pintar como uma criança.
O fusível que colocou Picasso de volta em uma estrada revolucionária ocorreu em 1924, quando um grupo mais jovem de artistas, os surrealistas, publicou seu manifesto declarando que toda criatividade vem da compulsão inconsciente e erótica. O coquetel de cubismo da Idade do Jazz dos Três dançarinos e o culto surrealista do desejo libertaram Picasso para criar suas obras de arte mais pungentes, incluindo o Acrobat, uma pintura maravilhosa de um corpo impossível e o galo desenfreado da escultura (o pássaro, mas é verdadeiramente arrogante). O início da década de 1930 também foi quando ele seguiu o sexo como teatro sadeiano e descobriu o uso mais chocante do cubismo – para mostrar todos os orifícios de um amante ao mesmo tempo. Um trabalho deslumbrante desta época é o seu faun impresso de 1936, revelando uma mulher adormecida, na qual ele se transforma em uma criatura mítica olhando para seu amante com voyeurismo descarado.
O teatro escandaloso de sexo e morte de Picasso deu a ele o poder imaginativo de fazer o que poucos outros artistas administravam: fazer arte que lutava contra o fascismo. No ano em que ele pintou a mulher chorando, havia bombardeiros nos olhos. Em seu loft, em um edifício do século XVII na Rue des Grands Augustins, Paris, ele planejou e executou o Guernica de Intrestismo, que terminou no início de junho e apresentou em julho no pavilhão espanhol na Exposição Internacional de Paris.
Picasso é certamente teatral, mas seu verdadeiro gênero é a tragédia. A mulher que chora não pode se impedir de ver esses aviões assassinos. O pesadelo está ficando verde, como se ela apodrece. No entanto, uma abelha chupa de uma lágrima: por essa raiva paralisada, alguma esperança pode vir, se as pessoas agirem. A mulher que chora é frequentemente identificada com sua amante Dora Maar, mas por que seus dedos são tão robustos? Eles se parecem mais com o de Picasso. Assim como ele podia se imaginar como Carmen, Picasso é a mulher chorando, fundindo -se com Maar em tristeza pelos assassinados de Guernica e pelos que ainda estão morrendo na era da guerra total.
Quando olho para Guernica agora, vejo Gaza, vejo a Ucrânia. Quando olho para a faixa satírica de Picasso, o sonho e a mentira de Franco, vejo populistas de extrema direita de hoje e ditadores de estilo novo. Picasso viveu em um período de emergência e, ao que parece, nós. Ele estava longe de ser um ser humano perfeito em sua vida privada. Mas ele era um artista político que agia na história. Naquele estágio, ele estava do lado dos anjos – e da mulher que chora.
Setters de cena: obras da exposição Tate
Busto de uma mulher, 1909
Picasso estava fazendo escultura pela primeira vez, esculpindo imagens de madeira cruas que prestam homenagem à arte africana, quando pintou esse “retrato” cubista. Essa mulher tem partes do corpo de madeira e um rosto sem destaque, pois o artista desmonta a crença européia de que as fotos devem ser janelas claras e legíveis em perspectiva no mundo.
Após a promoção do boletim informativo
Garrafa de Vieux Marc, vidro, guitarra e jornal, 1913
Para uma pintura cubista, é fácil entender: o corpo da guitarra é uma silhueta branca, parte do vidro é esboçada ao lado dele e a garrafa reconhecível por “Vieux” em sua etiqueta. Mas por que ele colou em uma folha tão antiga (1883) de Le Figaro? Talvez lamenta um estilo de vida do café boêmio que já era velho.
Os três dançarinos, 1925
Picasso assinou esta pintura em 1965, quando a vendeu para o Tate – ele a manteve até então. Ele também revelou: “Enquanto eu estava pintando essa foto, um velho amigo meu, Ramon Pichot, morreu e eu sempre senti que ela deveria ser chamada de morte de Pichot, em vez dos três dançarinos”. O perfil de Pichot é a silhueta à direita deste pesadelo na era do jazz.
The Acrobat, 1930
Picasso ficou fascinado pelo folk de circo. Esses artistas estrelam em suas pinturas iniciais do período de rosas, segurando cavalos, equilibrando -se em bolas ou se reunindo em um grupo familiar com um palhaço como patriarca. Aqui, ele purifica o que significa ser um acrobata: esse personagem é todo braços e pernas, sem torso, pois contorce inconcebivelmente. Os olhos fechados nos dizem que é um sonho – esta é uma visão surrealista.
Mulher nua em uma poltrona vermelha, 1932
O cubismo era frequentemente visto como feio em suas distorções da figura humana, mas aqui Picasso o usa para glorificar sua amante Marie Thérèse-Walter, compondo o rosto de duas visões diferentes, o perfil completo e em meia-lua. Ele sugere que ela tem duas personalidades: um dia, o outro noturno, misterioso.
Cock, 1932, elenco de 1952
Picasso era um escultor brilhante de uma maneira casualmente mágica, como ilustra essa criação incrivelmente viva e espetada. Talvez agora esteja em suas criações tridimensionais, da cabeça de um touro feita de peças de bicicleta a um babuíno incorporando o carro de brinquedo de seu filho, que a diversão infecciosa de sua criatividade e brincadeira pode ser mais sentida.
Mulher Weeping, 1937
Foi na década de 1930 que a Grã -Bretanha acordou com Picasso e para a arte moderna, da qual ele era o líder reconhecido. Uma geração galvanizada pela Guerra Civil Espanhola e irritada pelo apaziguamento de Hitler respondeu à arte de protesto de Picasso. Em 1939, Guernica foi mostrada na Galeria Whitechapel, enquanto a mulher chorava aqui permanentemente
No ano, foi pintado.
O teatro Picasso está em Tate Modern, Londres, de 17 de setembro a 12 de abril.