PMães de oisíssimo e fortemente autodidata são um padrão no teatro, de Mary Tyrone na jornada de longa data para a noite até Violet Weston em agosto: Osage County. Auto-absorvido, vaidoso e hipercrítico, eles tendem a perseguir seus estágios como leoas feridas, seus próprios filhos os alvos convenientes de seu abuso e cinismo. O dramaturgo dos EUA Paula Vogel acrescenta Phyllis Herman (Sigrid Thornton) a esta lista, tão monstruosa e quebradiça quanto qualquer um deles.
Enquanto a Mãe Play (a legenda é uma peça em cinco despejos) flerta com a toxicidade e os histriônicos desses antecedentes, parece mais próximo em espírito do “Memory Play” do Tennessee Williams, o Glass Menagerie. Onde Williams criou o caráter de Tom como um substituto autoral, Vogel nos dá Martha (Yael Stone), que também está desesperada para escapar das garras de sua mãe enquanto tenta entender o que a faz funcionar. Há uma profunda melancolia trabalhando sob a peça, uma sensação de tudo o que foi perdido para a devastação do tempo e o esquecimento.
Como Williams, Vogel está minerando muita de sua própria biografia aqui – sua mãe também foi nomeada Phyllis e trabalhou como secretária do Serviço Postal após o colapso de seu casamento – e ela traça o esboço de uma família em lento declínio com pungência e habilidade. A podridão se instala durante o primeiro despejo, quando Martha e seu irmão mais velho Carl (Ash Flanders) se movem caixas e móveis enquanto Phyllis se bebe em um estado de autopiedade grotesca. As crianças têm apenas 12 e 14 anos, e ainda assim parecem os pais de uma criança teimosa e petulante.
À medida que a peça avança e a narrativa se move inexoravelmente ao longo das décadas – ela se abre no início dos anos 60 e termina nos dias atuais – esse desequilíbrio dos pais apenas piora. Phyllis, encharcada de gin e, alternadamente, repreende, a culpa e se apega a seus filhos como estruturas de apoio se ressentir; Em um momento, ela os rejeita por serem gays, a próxima compreensão de sua aprovação. Ela é diabólica e cruel, mas Vogel também nos permite ver o dano causado a ela, as maneiras pelas quais ela é moldada pelas crueldades casuais de outras pessoas. Não é tanto um ciclo de abuso, pois uma longa cuspida, nivelada por grandes reservas de perdão e estoicismo das crianças.
Thornton é fantástico, constantemente viva para as falhas escalonadas do personagem, sem perder o pathos central que nos mantém engajados e simpáticos. Ela tem uma qualidade dura e de aço sob a gaunessidade e a impropriedade que suavizam à medida que a peça avança, acabando alcançando uma espécie de dignidade e equilíbrio cansados. Stone encontra grande profundidade e complexidade em Martha, doloridas pelo sadismo de sua mãe, mas determinadas a ver além dela. Flanders é sólido na parte menor de Carl e, juntos, a pintura fundida de uma dinâmica familiar convincente e complexa.
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A diretora Lee Lewis acerta muitas coisas, o que faz com que as que ela entenderem pareçam mais flagrantes, de alguma forma. Essas performances são lindamente calibradas e habilmente lançadas, mas as surpreendentes mudanças tonais de Vogel e os longos narrativos parecem tropeçar em Lewis; Com muita frequência, a produção vacila, arremessando -se na bobagem e no acampamento. Uma cena em um bar gay – onde Phyllis começa a dançar uma linha de Conga com seus filhos adultos – se sente desesperada, e quanto menos dito sobre uma barata gigante que acena para a platéia, melhor.
Essa reticência se infiltra no design de Christina Smith, que é surpreendentemente banal e pesado – embora não sejam suas roupas, que são pequenos tesouros de inteligência e personalidade do período. As cinco residências diferentes da família são simultaneamente subdone e excessivamente complicadas, necessitando de algumas transições desajeitadas. A iluminação inventiva de Niklas Pajanti ajuda, lançando de glamourosa a desolada à medida que a sorte da família muda. As composições de Kelly Ryall são igualmente mercuriais, Jaunty um minuto e queixas no próximo.
Vogel é um dramaturgo fascinante e idiossincrático, e se essa produção de Mother Play não se coalescia, ainda alcança momentos de beleza e reverência silenciosa. Esse escopo temporal permite que os atores rastreem as batidas emocionais da vida de seus personagens como alfinetes em um mapa e, se os eventos políticos e sociais tendem a desaparecer em segundo plano, seu efeito nos relacionamentos interpessoais da família é sublinhado com força. A batalha moral entre liberalismo e conservadorismo, essas polaridades ideológicas que atualmente destruíram os EUA, são retratadas aqui como fissuras do eu e da unidade familiar, há muito tempo.
As peças de memória são, por definição, fragmentadas e elípticas, então talvez sejam necessários ritmos de staccato e mudanças tonais de sacudides. O clichê do monstruoso feminino, onde a mãe se torna o repositório de toda a doença e perversão da família, é sutilmente mas certamente descompactada e desmascarada. O que nos resta é uma mãe e uma filha treme, tremendo -se para cuidar, compaixão e conexão. Dessa maneira, parece vital e contemporâneo.